DE ROUILLE ET D'OS

Jacques Audiard

EN BREF:

Audiard s'essaie au mélodrame populaire. C'est surprenant, fort, émouvant, mais loin d'être un chef-d'oeuvre comme on a pu l'entendre.

Avec De Rouille et d'Os, l'un des grands cinéastes français vivants explore un cinéma auquel nous n'aurions jamais pensé pour lui: le mélo. Dans un style plus populaire, forcément un peu déroutant pour le spectateur, il conte, dans un contexte social précaire et violent, l'amitié naissante entre un jeune père rustre, et une femme a priori lumineuse qui se fait amputer des deux jambes suite à un accident. Ce qui prime ici, ce ne sont pas les contours techniques du film (le cadrage, les décors, la photo, magnifiques, ou la BO, relativement décevante), mais bien l'histoire, et les acteurs. Trois points de vue dans un vrai beau mélo plutôt habile, malgré une fin qui déçoit (à partir du fameux lac...).

On pourra légitimement regretter quelques effets de scénario peu probants, un dialogue peu naturel entre différentes composantes du film, mais "De rouille et d'os" frappe d'abord par la force de son interprétation.

La Croix

Le père

Brut de décoffrage, c'est Mathias Schoenaerts qui est (pour qui n'a pas vu, semble-t-il, Bullhead), la révélation du film. Son jeu est d'une intensité exceptionnelle, d'une grande maturité, et d'une grande subtilité. Il est un père qui manque à son fils, absent par un trop-plein d'embrouilles de part et d'autres, par une galère continuelle, et par une inconscience du rôle d'un père, du fait de ne l'avoir jamais vraiment été (il n'a pas élevé son fils). Audiard construit sur l'acteur belge tout ce qui fait le sel de son cinéma: une violence qui ne tarde pas à éclater, dans tous les sens, et sans mesure, dans un contexte social tendu, une précarité grandissante à mesure que les petits boulots se font de plus en plus illégaux la plus totale. Et pourtant, comme à son habitude, c'est ce personnage qu'Audiard tente, dans un toujours lumineux geste, de sauver de cette noirceur, de sortir d'un néant affectif, de ramener à la vie. L'homme, qui a visiblement oublié l'enfance, retrouve peu à peu le plaisir, au détour d'une conversation, puis d'un toucher, puis d'une baignade, puis d'un baiser, retrouve peu à peu le goût du jeu, le risque du partage, de l'entraide, de la solidarité. Et finit par se faire écouter, comme il parvient à écouter les autres. Tout cela est fait dans une grande discrétion, la rage sourde et les pulsions mécaniques se transforment par infimes touches en compétition acharnée, en combativité et en attention pour l'autre. Ce personnage, aux allures si rustres et si peu attachant, devient extrêmement touchant, il gagne notre estime, et notre respect.

La femme, l'amie.

Marion Cotillard, lumineuse, retrouve enfin un rôle à sa hauteur, bien longtemps après la fulgurance Piaf. Ici, elle est cette femme accidentée au travail (elle est dresseuse d'orques). Elle était séduisante, et aimait qu'on la regarde, aimait être observée, respectée. Amputée de ses deux jambes, elle ne crée plus autour d'elle ce désir, et n'émane plus de sa personne cette énergie indomptable. Elle sombre dans une tristesse, dont elle ne se relèvera que grâce à la « délicatesse » de cet homme, Ali, qui l'extirpe de sa torpeur. De ce qu'elle considère comme l'état de légume, elle se relèvera peu à peu, aidée par l'absence de manières de ce boxeur, qui, comme elle, est combatif. A mesure qu'elle se sent redevenir humaine (avec des prothèses), puis femme (avec le retour d'une grâce, d'une beauté, et d'une sensation physique et émotionnelle qui ressemble à s'y méprendre à de l'amour), elle reprend confiance, et à son tour tentera d'extirper cet homme qui la regarde si normalement, de manière si intense et sans fioritures, de ses violences et de son jusqu'au-boutisme dangereux. Cotillard tient ce rôle avec ferveur, elle est d'une grande justesse, notamment lorsqu'elle part totalement, seule dans sa chambre, sur une musique de Bon Iver, ou encore quand, dans un silence éloquent, elle renoue contact avec un orque, filmée de dos derrière une vitre.

Tout est bien dans "De rouille et d'os", sauf cette petite faute de goût qui ternit tout : c'est un chef-d'oeuvre. C'est du moins dans cet esprit qu'il a été conçu et c'est naturellement cet esprit qui l'empêche de l'être.

Libération

L'enfant.

De tous les personnages, c'est lui qui bouleverse, la bouille inoubliable du film, Armand Verdure. En plus d'avoir trouvé un contrepoint plus léger, plus enfantin, à son histoire assez tendue et âpre, Audiard filme ce gosse comme s'il était la passerelle dans cette relation, ce qui fait basculer la relation d'une histoire d'amitié à un nécessaire et vital besoin de reconstruction mutuelle chez les deux personnages adultes. Ce gosse, à la recherche de repères dans cette nouvelle vie (il vient de déménager chez sa tante, sur la côte méditerranéenne, à laquelle il ne connait rien ni personne, il vit avec son père pour la première fois...), passe son temps à essayer de franchir les limites de son père absent, quand sa tante s'occupe de lui. Niché dans une cage à lapin, il s'amuse et rêve à cette douceur qu'il aimerait recevoir. Quand arrive dans sa vie cette handicapée, il s'accroche et trouve une stabilité. Elle ne fuira pas, et il ne s'y trompe pas. Audiard, dans ce point de vue sur l'enfance, trouve la raison d'être de son film. Sans cet enfant, l'histoire aurait pu ne se résumer qu'à une histoire d'amitié entre deux êtres, et serait devenu très caricatural. L'enfant empêche Audiard de tomber dans l'excès, quand bien même il flirte très souvent avec, dans sa manière de dresser - on ne lui connaissait pas ce défaut- un film un peu caricatural. De cette oeuvre, on retiendra donc surtout une étude passionnante de caractères, et bien évidemment une direction d'acteurs exemplaire (on n'oubliera pas de citer l'excellente Corine Masiero et le parfait Bouli Lanners), mais la dernière image restera malheureusement celle d'une fin inconcevable et sirupeuse, à laquelle on ne croit plus.

70%.

MARS 2012 / AVRIL 2012

17 films vus / 14 films vus

Terraferma - Querelles - Le Roi Lion

Hasta la vista - Tyrannosaur - L'enfant d'en haut - Indignados - L'amour et rien d'autre - Pour lui - 38 témoins

A moi seule - Les adieux à la reine - I wish - Le fils de l'autre - Avé - Bye bye blondie - Cloclo - Le prénom - Le paradis des bêtes - Week-end - 30° Couleur - Avengers

Radiostars - Les pirates - Possessions - Elena - Comme un chef - Mince Alors!

Sur la piste du Marsupilami - Projet X - L'oncle Charles

3 moments...

- glaçant: dans la nuit, sur un bâteau dénué d'espoir, des mains s'accrochent, vainement, avant d'être retirées de là par des coups, puis emportées par la mer. C'est Terraferma, et c'est intense.

- grisant: une nuit de camping à la belle étoile, avec quatre éclopés de la vie, trois handicapés et leur chauffeur, Claude. C'est l'hôtel Claude, hôtel mille étoiles, c'est une surprise, et une scène rêvée! Hasta la vista.

- bouleversant: un enfant trouve son refuge, se défait du regard de ces deux sourds-muets qui l'accompagnent à Téhéran voir le corps de ses deux parents. Dans un tunnel, un dernier regard de l'enfant, qui nous marquera à jamais. C'est le puissant et audacieux Querelles.

MARS

LA REVELATION: Filippo Pucillo - Terraferma

L'ACTRICE: Isabelle de Hertogh - Hasta la vista

L'ACTEUR: Yvan Attal - 38 témoins

LE REALISATEUR: Emanuele Crialese - Terraferma

LE SECOND RÔLE: Noémie Lvovsky - Les adieux à la reine

LE COUP DE COEUR: Terraferma, de Emanuele Crialese.

LA SURPRISE: Hasta la vista, de Geoffrey Enthoven.

LA MUSIQUE: Delphine Mantoulet - Indignados.

L'AFFICHE: 38 témoins, de Lucas Belvaux.

LA DECEPTION: Les adieux à la reine, de Benoît Jacquot.

LE NAVET: L'oncle Charles, de Etienne Chatiliez.

AVRIL

LA REVELATION: Kacey Mottet Klein - L'enfant d'en haut

L'ACTRICE: Olivia Colman - Tyrannosaur

L'ACTEUR: Peter Mullan - Tyrannosaur

LE REALISATEUR: Morteza Farshbaf - Querelles

LE SECOND RÔLE: Réda Kateb - A moi seule

LE COUP DE COEUR: Tyrannosaur, de Paddy Considine.

LA SURPRISE: Querelles, de Morteza farshbaf.

LA MUSIQUE: Le Roi Lion!

L'AFFICHE: Tyrannosaur, de Paddy Considine.

LA DECEPTION: Le fils de l'autre, de Lorraine Lévy.

LE NAVET: Sur la piste du Marsupilami, d'Alain Chabat.

9 FILMS

Coups de coeur

EN BREF:

Deux mois de vide intense sur ce blog, deux mois de disette cinématographique, dûe à de nombreux facteurs extérieurs (déménagement, vacances, boulot). Les mois qui suivent risquent d'être également perturbés (toujours pour les mêmes motifs), aussi je vais mettre en place mon petit rythme hebdomadaire, avec par semaine mon avis sur les films sortis. Et puis, en deux temps trois mouvements, je vais rattrapper mon retard, avec d'abord ces neuf coups de coeur, puis avec l'évocation des 25 autres films dont je n'ai rien dit.

OSLO, 31 AOÛT

Joachim Trier

Un film sombre à l'écho obsédant, et à la poésie mortifère lumineuse. Joachim Trier nous entraîne peu à peu dans une ambiance, et dessine d'un trait teinté d'une sourde rage le parcours, sur une journée, d'un jeune homme, Anders, tout juste sorti d'une cure de désintoxication. Le film commence par une tentative de suicide, qui échoue. Puis se poursuit, sur toute sa longueur, sur une tentative de reconstruction, une sorte de renaissance, à laquelle on veut croire. Superbement filmé, le film laisse voir des mirages d'espoir, une mélancolie constante, contrebalancée par quelques scènes poétiques foudroyantes (on pensera évidemment à cette fameuse scène ou des volutes de fumée s'échappent d'un extincteur alors que quelques jeunes sont sur des vélos, en pleine nuit, avant l'aube). Une fois passée la longueur des premières scènes, Oslo 31 août se révèle peu à peu être un grand film d'ambiance. Anders Danielsen Lie, l'acteur principal, est une très belle révélation, donnant à son personnage l'ambiguïté nécessaire pour nous perdre entre deux hypothèses finales possibles. Deux mois après la vision du film, on en retient une chronologie très précise, une ambiance qui s'est insinuée durablement en nous, la subtilité de certaines scènes (celle de l'entretien notamment, ou encore celle de deux anciens amis qui se retrouvent sur un banc). Et surtout, on se rappelle qu'à la fin, le vide ressenti dans ces plans d'Oslo désert est immense. Mais on n'avait pas tant tort que ça: la renaissance du personnage, à laquelle on croyait vraiment, se clôt vraiment sur un envol, à l'intensité bouleversante.

76%.

HASTA LA VISTA

Geoffrey Enthoven

Au départ, rien n'engage à aller voir le film, dont l'affiche et la bande-annonce font peur. Et puis on y va, guidé sans doute par des échos positifs, et une histoire plutôt loufoque (trois handicapés veulent aller en Espagne dans un bordel pour ne pas mourir puceaux). Histoire qui n'a d'ailleurs plus rien de loufoque au final. On rentre tranquillement dans le film, toute la partie des préparatifs du voyage est plutôt amusante, et nous fait attendre, avec une petite impatience qui monte, ce départ vers l'Espagne. Arrive l'heure du départ, et surgit sur l'écran ce chauffeur, Claude, qui les conduira à bord de son minibus vers Punta del Mar, là ou se trouve ce bordel, "pour les gens comme eux". A partir de là, le film devient un petit bijou d'humanisme et de simplicité. Geoffrey Enthoven tient ses quatre protagonistes en respect, le tout est filmé dans l'ambiance chaleureuse et sympathique d'un bon feel-good movie. On s'attache très vite aux personnages, et tout est amené avec beaucoup de finesse (lorsque Claude nettoie Philip, ou lorsque Joseph parle avec Claude). On s'amuse vraiment, le rythme est soutenu, les acteurs excellents. Certaines séquences sont vraiment touchantes, d'autres rêvées (celle du camping sauvage, "hôtel mille étoiles", est juste parfaite). Et arrive la partie en Espagne. L'état de Lars se dégrade, et le film se transforme en flot continu d'émotion sur les quinze dernières minutes. Comme dans tout bon feel-good movie, Enthoven fait triompher l'amour, l'amitié, le voyage... Mais il fait aussi triompher le sexe, hors de toute différence, dans cette scène ou les trois, lestés de leur handicap, semblent avoir trouvé une satisfaction pleine et entière dans l'heure qui a précédé. On sort de la salle avec une légèreté incroyable, et un état d'esprit positif pour quelques jours au moins. Hasta la vista est une fraîcheur, une oeuvre qui suinte l'amour, la vie, et l'inénarrable capacité qu'ont les hommes, quand ils le veulent, à se respecter.

74%.

TYRANNOSAUR

Paddy Considine

Dans la veine du cinéma social de Ken Loach, Paddy Considine réalise un Tyrannosaur sorti des tréfonds d'une province anglaise défaite et déprimée, avachie et dont on sent d'ici l'odeur de renfermé. Son film est d'une violence inconsidérable, d'une noirceur profonde, de laquelle on pense qu'on ne sortira jamais. Très bien rythmé, le film est pourtant long. Parce qu'il met du temps à installer une intrigue particulièrement éparpillée, qui met en jeu la vie entière de deux êtres (violence conjugale, mort d'une épouse, alcool, chômage...). Parce que c'est une rencontre au long cours qui est montrée ici, de manière simple et rugueuse, tragique aussi. Considine réussit un film social plus noir que ce qu'à jamais fait Loach, et installe sa signature dans de nombreux silences, déchirés par des coups, des pas, des éclats de voix. Les deux acteurs principaux sont époustouflants: Peter Mullan, exceptionnel, dont le personnage semble résigné, prêt à renoncer; Olivia Colman, bouleversante tant elle parait simple et dont la vie devient pourtant un supplice. Leur rencontre déjoue les pièges, et rentre dans une complexité quasiment suffocatoire. Et pourtant, empêtré dans une histoire ou les noeuds sont nombreux, Considine parvient à extirper un début d'espoir, un combat qui reprend, et une vie qui se remet à flot. Contre toute attente, le film devient très beau.

73%.

L'ENFANT D'EN HAUT

Ursula Meier

L'enfant d'en haut est un film très particulier. Parce que d'emblée, il n'est pas ouvert. L'enfant dont il est question, et cette fille avec qui il habite, sa soeur surement, sont enfermés dans leur univers. Lui dans sa débrouille, ses manigances pour voler du matériel de ski et le revendre, pour pouvoir subsister et subvenir aux besoins de sa soeur. Elle dans sa vie qui part en vrilles, et dont on ne saura pas grand chose des allées et venues. La caméra semble observer cela, de dehors. La dramaturgie est telle que le spectateur ne semble pas invité, laissé en dehors de cette solitude immense que dégagent ces deux êtres délaissés. Et pourtant, L'enfant d'en haut s'insinue, tranquillement, doucement, sans brutalité, malgré la violence de l'histoire et la colère d'un enfant, empêtré dans un rapport marchand, même lorsqu'il s'agit d'un simple câlin, avec sa présumée soeur. Et l'émotion vient, par à-coups. Le film est buté, complexe, et laissera une trace. Kacey Mottet Klein, après avoir été un Gainsbourg enfant inoubliable, révèle ici une imperméabilité de façade inouïe aux attaques qui lui sont faites. Il bouleverse lorsque se fissure cette façade sûre et intangible: il cherche une trace d'amour, de réconfort. Léa Seydoux est parfaite en écorchée courant d'air mystérieuse, qui cherche à reprendre sa place dans le cocon familial, mais a du mal à y parvenir. L'enfant d'en haut nous tombe dessus de la même manière que les évènements de la vie leur sont tombés dessus. Et c'est un choc.

70%.

INDIGNADOS

Tony Gatlif

Quel cinéaste, mieux que Tony Gatlif, pouvait rendre hommage, et rendre justice au combat des Indignés? Aucun, et ça se voit, même dans les maladresses. "Face à l'urgence, j'ai poussé un coup de gueule. Face à l'urgence, j'ai pris ma caméra. J'ai fait un film, tout de suite, tout seul, avec mes propres moyens." Quel autre cinéaste aurait eu le courage de dire cela, et de le faire? Aucun. Son film tout entier est habité par l'urgence, avance grâce à cette urgence. Un documentaire qu'il a tissé autour d'un fil rouge, une clandestine africaine qui arrive en Europe par la Grèce, et qui se rend compte de l'état délétère des sociétés européennes, qui a quitté l'Afrique pour trouver un meilleur, et se retrouve, presque malgré elle, dans la contestation. Gatlif, dans son désir d'englober et de relier tout (clandestins, Roms, Indignés), brasse parfois de l'air, mais sa sincérité, son audace et sa spontanéité l'emportent à chaque fois. On trouve comme d'habitude une poésie propre à Gatlif, cet art de montrer les détails avec fougue et vivacité (des oranges qui dévalent une ruelle, une pomme donnée de main en main au ceur d'une manifestation, une canette qui roule sur le bitume brûlant). On entend aussi une musique, un rythme lancinant et entêtant, signé Delphine Mantoulet, femme de Gatlif et créatrice de merveilles rythmiques. On sent aussi l'agitation parfois vaine d'un homme qui ne sait pas canaliser ses colères (dans ces citations maladroites d'extraits du livre de Stéphane Hessel, pas forcément bien senties, et illustrées au pied de la lettre, comme dans ce poulailler, ou la poule se fait bouffer par le renard...). Le film n'aura et ne sera vu que par des gens acquis à la cause indignée, malheureusement, mais il est toujours important que de tels films soient faits, surtout lorsqu'ils procurent un sentiment de cinéma, d'urgence et de militantisme aussi important.

69%.

38 TEMOINS

Lucas Belvaux

Comme à son habitude, Lucas Belvaux semble nous proposer un polar sombre et à la réflexion non dénuée de fondements. Le casting de choix - Attal, Quinton et Garcia - annonce un bon film. Et pourtant, le film n'attirait pas l'oeil. C'est d'ailleurs une de ses remarquables qualités: avec une grande pudeur, le film est loin d'être tape-à-l'oeil. On ressort de la salle tout bizarre, impressionné par une rigueur qui force le film à pêcher un peu par son rythme, mais oblige aussi une écriture solide, et une réalisation méticuleuse, qui laisse une impression très forte. En racontant un crime par l'unique point de vue des témoins, Belvaux réalise une oeuvre originale, à la force inattendue. Le film est passionnant d'un point de vue éthique et moral (tout le monde a entendu cette femme crier, et pourtant personne n'a rien fait, ni même décroché le combiné pour appeler la police - qu'aurions-nous fait?), comme il est passionnant sur le simple point de vue du cinéma (dans cette ville du Havre, qui intéresse tant les cinéastes actuellement, la manière dont est filmée cette rue, artère passante mais amorphe, réunie pour quelque jours autour d'un deuil, ou cette ville port, si morne, si pesante, comme éloignée des réalités). Un homme osera avouer à la police que tout le monde a entendu, se mettant ainsi tout le quartier à dos. Yvan Attal est bouleversant, dans cette scène notamment de confessions nocturnes à sa femme (Sophie Quinton, parfaite), qui croit au matin avoir rêvé. Le scénario est très maitrisé, même s'il laisse peu de libertés aux interprètes, qui débitent parfois un texte un peu trop précis. Mais sur cette scène finale de reconstitution, intense, on oublie les défauts du film, qui laisse son spectateur pantois, questionné, et impressionné.

67%.

UNE BOUTEILLE A LA MER

Thierry Binisti

Sur une histoire somme toute assez classique (petit état des lieux en Israël et en Palestine, à la suite d'une bouteille jetée à la mer, avec un message empreint de curiosité à l'intérieur), Thierry Binisti tisse un récit épistolaire très convaincant, filmé avec beaucoup de simplicité. Il fonde sa force sur une sobriété éclatante, aussi bien dans la mise en scène, juste et efficace, que dans l'écriture, qui gagne très vite en puissance. Le film joue beaucoup sur notre propre rapport au temps, et vient questionner celui-ci avec intelligence. Dans les lettres, les deux personnages (une française en Israël, un palestinien) s'écrivent au départ au conditionnel, pour évoquer leur rencontre, puis au futur, que l'on sent proche, puis au présent. Et c'est de là que naît l'émotion, quand deux personnages se rapprochent tant qu'ils s'influencent directement. Binisti mise sur des seconds rôles très solides, tous très bien construits (Abraham Belaga, Jean-Philippe Ecoffey, Hiam Abbass), et sur un jeune casting parfait (Agathe Bonitzer et Mahmoud Shalaby), qui tient le film avec vigueur. Le film est simple, beau, et fort.

66%.

EN BREF

ZARAFA

Rémi Bezançon, Jean-Christophe Lie

Un très joli dessin animé, très classique, très gentil. C'est vraiment beau, le trait est clair, presque enfantin, la bande originale est un régal pour les oreilles. Quant à l'histoire, bien écrite, elle laisse rêveur. Une petite magie familiale distillée avec délicatesse, humanité, générosité.

LE ROI LION

Roger Allers, Rob Minkoff

Quelle émotion, de voir pour la première fois sur grand écran, un miracle de film d'animation, aux chansons enchanteresses, que l'on ne se lasse, durant la projection, de fredonner. Que de souvenirs, de traumatismes aussi (Scar et les hyènes), de tristesse (ça fait encore et toujours le même effet, ce vrombissement dans le canyon). On ressort de là en enfance, avec sur le bout des lèvres des chansons, qui suffisent à résumer tout. Et surtout, on se rend compte à quel point Le Roi Lion est entré dans les mémoires, et dans le quotidien, dans des phrases ou des expressions. Réjouissant!