JANVIER 2012

EN BREF:

6 films de janvier qui n'ont pas eu le droit, faute de temps, à une critique... Je me rattrappe donc ici sur quatre d'entre-eux, avant de revenir sur The descendants et Café de Flore plus longuement, pour le Festival d'Hiver.

Tahrir, place de la Libération - Stefano Savona.

25 janvier 2012, sortie du film, un an après le début de la révolution égyptienne, quelques jours seulement avant les évènements de Port-Saïd, 74 morts et la crainte que le pays sombre dans le chaos, un an après la chute du Raïs. Forcément, le documentaire est poignant, et entre en résonance dramatique avec l'actualité. L'expérience du film en tout cas est intéressante, une heure trente d'immersion totale parmi ces révoltés, du 25 janvier 2011 à la chute du Raïs, le 11 février 2011. 15 jours de discussions, de colères, de heurts, une armée qui rejoint le peuple, et une euphorie vite dissipée par une question qui semble planer sur les derniers plans du documentaire: "qu'est-ce qu'on fait maintenant?". Aucune voix off, aucune musique, pas de fioritures. L'image de jour est terne, celle de nuit est lumineuse. Il y a quelque chose de chaleureux dans tout cela. Ca scande de partout, la fougue de la lutte est entraînante et suffisante à émouvoir le spectateur, seulement on aurait aimé plus de liant, un peu plus que ce (déjà très intelligent) enchaînement de séquences. Reste tout de même un implacable description d'une agitation, avec ce qu'elle contient de remous et de puissance.

Les papas du dimanche - Louis Becker.

L'histoire est contenue dans le titre, et au moins il ne vend rien de plus, et rien de moins. On voit donc un nouveau divorcé s'habituer à sa garde, un week-end sur deux et la moitié des vacances scolaires. Ca n'a rien de bien passionnant, et rien de bien vilain à la fois. C'est un premier film, d'un fils de et petit-fils de, sous forme d'une chronique sans conséquence. Une image terne, un style pas affirmé du tout, beaucoup de longueurs, compensées par des acteurs convaincants (Thierry Neuvic, Olivier Baroux, Maryline Canto, Hélène Fillières, les enfants), de très jolis moments, et une maladresse constante finalement touchante. C'est tout petit, mais on ne s'ennuie pas, un petit instant comme ça, qui glisse et s'en va. Et comme dirait Télérama, un film ou on trouve Maryline Canto au générique mérite l'indulgence, comme un film ou, à la fin, résonne aux oreilles la superbe reprise du Vent nous Portera de Noir Désir par Sophie Hunger.

Les chants de Mandrin - Rabah Ameur-Zaïmeche.

Dommage. Le cinéaste se propose de portraitiser les contrebandiers d'avant-Révolution française, en en faisant des héros de la liberté et de la fraternité, vagabonds généreux, sans peurs et sans reproches, qui amènent aux quatre vents, outre des livres, pierres précieuses et autres richesses de contrebande, un ouvrage qu'ils ont fait imprimer, "Les chants de Mandrin". Le réalisateur s'intéresse ainsi à une figure hors-la-loi, Mandrin, qu'il élève au rang de légende et de guide. Mais si le parallèle contrebandiers-indignés est effectivement intéressant, comme auront pu le noter quelques critiques, le fond est totalement décrédibilisé par une forme totalement chancelante. Les acteurs paraissent pour beaucoup très amateurs, les dialogues hésitent entre un fumeux vocabulaire XVIIIeme et des phrases qui dénotent sans scrupules avec l'époque, les longueurs sont interminables, comme le film, et les incohérences techniques très nombreuses. Si bien que le film, malgré un intérêt qu'il aurait pu présenter, reste tout de même un supplice. Bien sur il est important qu'il existe, que des films comme celui-ci puissent encore être produits, surtout qu'on aperçoit sans peine ce qu'il aurait pu donner, avec un peu plus de moyens. Des personnages qui trinquent comme cela: "Pour Mandrin. Pour la joie. Pour la beauté de nos rêves", on en veut aujourd'hui, mais entourés d'une beauté cinématographique, d'une écriture solide et d'une réalisation plus nerveuse...

A lire sur le film, la très amusante critique de Chris.

Trust - David Schwimmer.

David Schwimmer s'échine à faire de son film une oeuvre catastrophe sur les dérives de l'Internet. Sauf qu'il n'a ni la force d'écriture d'une excellente série, ni un point de vue qui rend son film original et différent de ce que l'on voit malheureusement trop souvent. Du coup, on se retrouve devant une oeuvre vide d'intérêt, déjà vue, qui alimente une psychose qu'il est inutile d'entretenir, et favorise une paranoïa sur un sujet qui mériterait plus de subtilité. La musique, ce qui était prévisible, dramatise sans cesse le sujet, la mise en scène n'a rien de beau, il n'y a qu'à voir ces effets assez hideux quand deux personnes chattent sur Internet (et évidemment, bleu pour le garçon, rose pour la fille). Bref, une atmosphère malsaine, qui me semble raccoleuse et bien à l'opposé du ton qu'on devrait tenir sur ces sujets délicats. Restent des acteurs plutôt plaisants (Clive Owen et Catherine Keener ne démeritent pas, en revanche Liana Liberato, l'actrice principale, n'est pas crédible), et une partie réussie (celle avec la psychologue, campée par l'excellente Viola Davis). Un film qu'on oubliera bien rapidement.

MILLENIUM

LES HOMMES QUI N'AIMAIENT PAS LES FEMMES

David Fincher

EN BREF:

Un thriller superbement réalisé, techniquement parfait, à l'ambiance électrique et à l'interprétation nuancée. Deux heures et demie de haute voltige, agrippé au siège.

Il y a au commencement un générique. Qui fascine totalement. Des images qui suintent à l'écran, et les yeux obnubilés des spectateurs. Les oreilles aussi, avec cette sansationnelle reprise de Immigrant Song, de Led Zeppelin. A partir de là, Fincher nous a attrapé, et nous gardera accroché jusqu'au plan final de son film, 2h30 plus tard. Millenium a déjà été adapté par deux cinéastes suédois (Niels Arden Oplev avait réalisé le premier opus, Daniel Alfredson les deux autres), et on ne s'étonne pas de l'envie d'un cinéaste américain de reprendre l'histoire absolument terrifiante écrite par le désormais mondialement célèbre Stieg Larsson. Et on ne crache pas sur cette nouvelle adaptation, d'autant qu'elle signée de l'un des meilleurs cinéaste de sa génération, surement le plus technicien d'entre-eux. Vision de rapports humains dans les pays nordiques, dissection des abus d'un grand industriel. Sous son aspect très romancé, avec cette enquête à deux qui débouche sur une liaison complexe et ambigüe, Millenium est un thriller réaliste et, du coup, glaçant. Sur une île reliée par un pont à une bourgade, une famille vit, recluse, gardant bien au chaud ses secrets, ses conflits d'intérêts. Michael Blomqvist, journaliste pour la revue Millenium, est engagé par un des plus puissants industriels suédois, Henrik Vanger (parfait Christopher Plummer) pour enquêter sur la disparition de Harriett Vanger, survenue des années auparavent, mais irrésolue par la police. Lisbeth Salander, pupille de la nation rebelle et solitaire, mais excellente enquêtrice, le rejoindra dans son enquête. Se fait rapidement jour un réseau de femmes tuées, et l'éventualité d'un serial killer. On connait par coeur l'histoire, d'ailleurs la précédente adaptation était plutôt bonne, même si elle ne nous a pas laissé un souvenir impérissable.

Comme tout bon thriller, Millénium est captivant et troublant. Mais il suscite quelque chose en plus, de spécifique à Fincher. A peine vu, il donne aussitôt envie de le revoir. (...) Signe qu'on est bien ­accro.

Télérama

Sauf qu'il y a ici le talent de David Fincher, qui fait que même si on connait l'histoire, on ne s'ennuie pas, et l'effet de suspense est le même... Le cinéaste sait particulièrement filmer des endroits retirés, et il a ici de quoi faire. Il capte des atmosphères étouffantes, dans des endroits vastes et lumineux (on pensera sans peine à cette maison vitrée, dont la moindre ouverture provoque un courant d'air), ou au contraire dans des endroits confinés et sombres (on évoquera cette cabane dans laquelle résident, le temps de l'enquête, les deux héros). De même les plans extérieurs sont d'une beauté froide indescriptible, et deux plans en particulier sont vertigineux (la course-poursuite quasi-finale sur une route filmée à travers les arbres, et la fuite de Blomqvist suite à une balle tirée sur lui, hallucinante). Il règne un froid glacial sur ce film, totalement électrisé par une bande originale qui donne un champ de profondeur supplémentaire à l'histoire. Aux commandes, on trouve Atticus Ross et Trent Reznor, qui collaborent pour la deuxième fois avec David Fincher, après The Social network. C'est en grande partie grâce à eux que l'expérience Millénium américaine est si impressionnante, parce que sans cesse la musique tire inexorablement vers le haut, dans un étouffant et sublime crescendo, chaque plan de ce film.

[Fincher] en tire un thriller méticuleusement noir. Une oeuvre aussi viscérale qu'électrisante, où l'audace formelle n'a d'égale que la maîtrise virtuose de la mise en scène. (...) Terrifiant et inoubliable!

Le Figaro

Dans ce tourbillon de sensations, un mélange subtil et virtuose entre film d'action saccadé, enquête policière brutale et acharnée et chronique sociétale, on trouve deux acteurs, qui se mettent au service d'une vision de Millénium. Daniel Craig, en enquêteur cerné de fatigue, n'a jamais été mieux filmé qu'ici, dans un personnage tourmenté et brillant, faible et combattif. Il s'efface rapidement derrière son personnage, comme il se fait voler la vedette par la révélation du film, l'incroyable boule de talent et de rugosité qu'est Rooney Mara, qui joue Lisbeth Salander. En écorchée vive, elle ne fait pas qu'irriter, elle bouleverse, tant sa sincérité est profonde, et sa fragilité intense. On est souvent troublé par ces regards fuyants, cette insoumission au lien social qui intrigue tant. On ne voit qu'elle, elle est parfaite, et fait totalement oublier la Lisbeth Salander de l'adaptation suédoise, Noomi Rapace. Fincher continue, avec cette adaptation virtuose, de s'intéresser aux mythes en train de se construire. Ces mythes modernes qui fondent et reflètent notre époque actuelle. Après le Zodiac, ce tueur en série qui menaçait l'Amérique, après le réseau social Facebook, c'est la trilogie culte de Stieg Larsson, qui dépeint une société suédoise telle qu'on la redoute, et établit des relations hommes-femmes de plus en plus ambigües, qui fait le jeu du cinéaste. Qui parvient ainsi à jouer sur des angoisses d'aujourd'hui, à les démonter entièrement, et à les rendre très contemporaines. C'est sa force, c'est ce qui fait de Millenium, comme de ses précédentes oeuvres, un grand film.

80%.

10 JOURS EN OR

Nicolas Brossette

EN BREF:

Il n'y a rien de bien vilain dans ce petit drame qui se donne gentiment bonne conscience. Franck Dubosc, pour la première fois, est quasiment touchant, et l'histoire sans conséquence se suit sans déplaisir.

On s'étonne de voir Franck Dubosc associé à ce projet-là, et pourtant au final l'émotion qu'il apporte n'est pas négative, ni négligeable. Pire encore, c'est la première fois qu'il parvient à nous émouvoir. Si bien qu'arrivé un point, on s'oblige à ne pas pleurer, en se disant "non, coco, tu ne pleures pas, c'est Franck Dubosc". Pour l'honneur... On va donc voir le film sans rien en attendre, et même avec l'envie de pouvoir cracher aisément sur des bons sentiments assez nauséabonds. La bande-annonce est ridicule, ne donne pas du tout envie (d'ailleurs les chiffres du box-office sont au diapason avec la bande-annonce). Le scénario s'installe très rapidement, il n'y a pas beaucoup de personnages. Il y a un commercial, Marc, qui vante ses produits, mais qui en dehors de ça ne fait pas grand chose de sa vie. Par hasard, suite à une rencontre inattendue, il donne son contact à une femme, "si elle a besoin de quoi que ce soit". Elle prendra l'offre au pied de la lettre, lui laissant sur les bras un enfant, qu'il devra emmener dans le sud de la France. Elle sera expulsée dans son pays d'origine. La vie de Marc bascule ce jour-là. 10 jours en or, un titre inutilement mélodramatique, raconte donc cela, un road-movie, une adoption mutuelle entre deux êtres qui désormais seront inséparables.

Maladroits et crispés (...) ces "10 jours en or" sont encore loin de toute révélation, mais donnent sans conteste envie de rendre à [Franck Dubosc] une confiance que l'on n'avait jamais été tenté de lui faire.

Le Monde

Evidemment, on retrouve toutes les ficelles d'un roadmovie "initiatique", avec son petit lot de personnages hauts en couleur (ici, Marie Krémer, plutôt pas mal, et Claude Rich, en roue libre, et assez ridicule, tellement qu'il devient presque touchant), ses poncifs (disputes puis réconciliations, incidents puis réparations miraculeuses, apprivoisement continu, jusqu'à l'usure du spectateur), ses gros sabots, ses multiples invraisemblances... On ne sait même plus pourquoi ça finit par fonctionner. Le film est quasiment attachant, Franck Dubosc distille un charme qu'on ne lui connaissait pas, sa relation avec le petit Mathias Touré est assez touchante (même si le gosse ne parait pas assez spontané). La réalisation est plate, la musique absolument pas mémorable, le scénario linéaire, mais le tout se suit sans déplaisir. Le film se donne bonne conscience avec un sous-propos sur l'immigration et la jungle de Calais, avec une mort qu'on attendait pas là, et qui surprend. Ca pourrait repousser, on trouve finalement que ça sauve en partie un film au contenu assez maigre. Bref, il n'y a rien de très bon dans ce film, mais il n'y a rien non plus qui énerve, qui ennuie. Il y a même quelques scènes qu'on retiendra, telle celle du dîner avec une famille, très chaleureuse, ou encore quand Franck Dubosc annonce à Mathias qu'il ne reverra plus sa mère, assez touchant, même si la fin revient à un classicisme pur et dur. Sans aspérités, un bon moment de détente, qui n'est ni vilain ni stupide.

55%.

LES NOUVEAUX CHIENS DE GARDE

Gilles Balbastre, Yannick Kergoat.

EN BREF:

Une charge jouissive, militante et forte contre ces obscurs lien médiatico-politiques. Un documentaire rythmé en diable, fascinant, particulièrement drôle, et particulièrement enrageant!

1932, Paul Nizan, alors philosophe, publie Les chiens de garde, pamphlet contre les philosophes et écrivains de l'époque qui, sous couvert de neutralité, étaient les gardiens d'un nauséabond ordre établi. 2012, Gilles Balbastre et Yannick Kergoat filment Les nouveaux chiens de garde, documentaire à charge contre les nouveaux gardiens de l'ordre, ces journalistes, ces éditorialistes, ces experts médiatiques. Il est effroyable de voir à quel point les propos de Paul Nizan (dont quelques courts extraits sont lus dans le documentaire), sont d'actualité. Pour attaquer cette "famille" médiatico-politique, les deux documentaristes prennent trois angles d'attaques, en divisant leur film en trois parties: l'indépendance, l'objectivité, et le pluralisme, idées reçues par un grand public déjà sous l'influence des grands groupes (très drôle séquence d'une journée sans Lagardère). Tout y passe: les grands actionnaires (Lagardère, Bouygues...), les chaînes de télé, les radios (y compris du service public), les journaux. Balbastre et Kergoat semblent presque s'amuser à démonter de la sorte une logique fondée sur la rentabilité de l'information, sa marchandisation. Leur objectif n'est pas compliqué, et les exemples ne manquent pas pour discréditer une politique d'information générale. Quid de l'indépendance? Regardez ces grands groupes, qui accaparent l'espace médiatique en une seule poignée de dirigeants. L'objectivité? Regardez Claire Chazal, défendant son patron Martin Bouygues, lors d'une interview avec François Bayrou, qui déplore les accointances des grands industriels propriétaires de médias avec le président, voyez ces sujets de TF1 qui ne parlent pas des dysfonctionnements dans la construction d'un EPR, alors que Bouygues en est le principal constructeur... Le pluralisme? Jettez un oeil sur le mercato annuel des médias, en particulier saison 2010-2011, avec des journalistes capables de passer d'un média à l'autre, sans cohérence (Demorand restant l'exemple le plus frappant, en passant du service public avec France Inter, à la radio privée avec Europe 1, puis au quotidien Libération), et sans vergogne aucune.

Le récit s'autorise de vrais tours de force, entre esprit potache (les effets de montage) (...) et pure déconstruction analytique (...). Le mode militant ouvertement assumé par le film dessine un cadre de réflexion pratique (...).

Les Inrocks

L'attaque que fondent ici les deux documentaristes est loin d'être nouvelle. Bourdieu en avait fait un thème de prédilection dans son exercice de la sociologie, Pierre Carles a repris les thèses du sociologue, en continuant le combat. Mais cette attaque est ici totalement renouvelée, parfaitement moderne, et très intelligement construite. A vrai dire, le propos est cinglant, il claque et ne laisse aucun répit à ses victimes. Le spectateur est dans son siège, complètement attentif du début à la fin. Le parallèle préoccupant entre l'oeuvre de départ et son adaptation aujourd'hui est passionnant. Le docu commence avec légèreté, on a l'impression d'entrer au cirque, les séquences ressemblent fortement, dans leur style, à celles du Petit Journal, et on rit beaucoup. C'est cynique, et les idées d'infographie se succèdent, imposant au film une étonnante dynamique. La musique est au diapason, notamment lors de ces scènes du "dîner du siècle", qui se passe tous les mois en secret à Paris, entre des industriels, des hommes politiques, des journalistes de tous bords (Chabot, Elkabbach et tant d'autres...). Cette première partie sur l'indépendance est implacable, férocement drôle, et le propos est tellement entendu qu'on y voit une légèreté, une sorte de piqûre de rappel salutaire, parce que toujours importante.

Un documentaire féroce et drôle, qui veut aussi secouer notre sens critique. C'est fait.

Le Journal du Dimanche

La deuxième partie, sur l'objectivité, alterne toujours mise en scène gagesques (ah ce ballet de la réforme, ce théâtre de l'insécurité...), mais implique aussi un propos un peu plus grave. Quand l'information se trouve modifiée par des conflits d'intérêt, c'est une démocratie boiteuse qui est mise en place. Et la troisième partie, sur le pluralisme, est révoltante. Quand l'information intéressée façonne l'opinion, quand les journalistes peuvent impunément troquer leur siège contre un autre, ou vouer à leur patron (actionnaire principal) un culte sans failles (Jean-Pierre Elkabbach sur le divan de Michel Drucker, tous deux employés de Lagardère, lui-même invité sur le plateau de Vivement Dimanche, une immense leçon de cirage de pompes), qu'ils affichent sans complexes. Et surtout, quand des médias a priori pluriels, opèrent ensemble une rigoureuse stigmatisation de plusieurs franges de la société. Effarant exemple des banlieues, ahurissant exemple de la crise, avec Alain Minc, qui annonçait avoir une "totale confiance en une économie qui s'autorégule parfaitement", en février 2008, affligeant exemple de l'affaire d'Outreau (ou toute une région nordique était peu à peu perçue comme déviante, avec le chômage, la misère, qui ont bon dos), et bouleversant exemple d'une crise sociale. Lorsque l'on voit parler Bernard Henri-Lévy, "grand philosophe de gauche", lorsqu'on l'entend dire que "malgré la misère sociale, malgré les licenciements, obliger un homme à rester dans un bureau est une chose inhumaine", on est indigné. Indigné parce qu'on se demande quelle violence est la plus légitime: celle, morale, infligée par des médias à des catégories sociales "inférieures", ou celle, physique, infligée par des manifestants qui n'ont aucun autre moyen d'être audibles. Indigné par des médias qui veulent nous faire croire qu'ils nous ressemblent. On sort révolté contre cette grande famille, et on se demande pourquoi on est tombé dans certains panneaux. Pourquoi fait-on marcher TF1? Pourquoi tous ces journalistes qui se fourvoient à animer des évènements autour de produits commerciaux officient-ils encore librement? Pourquoi faisons-nous confiance à ces experts en carton qui gagnent des mille et des cents en prêchant que le SMIC doit être baissé pour favoriser l'emploi? Gilles Balbastre et Yannick Kergoat nous font une salutaire piqure de rappel, dans un documentaire vif, énergique, passionnant, inventif, révoltant!

73%.

J. EDGAR

Clint Eastwood

EN BREF:

Le fondateur du FBI par Clint Eastwood, ou un biopic peu intéressant pour qui ne connait pas l'histoire de cet homme. La réalisation est académique, le style particulièrement empesé, l'interprétation variable...

Comment Clint Eastwood arrive à passer, en quelques années, de sommets (Gran Torino, L'échange, Million Dollar Baby), à des films moyens (Invictus, Au-delà), puis à une oeuvre aussi insipide que J. Edgar? On attendait beaucoup du biopic du fondateur du FBI, J. Edgar Hoover, parce que la presse nous en disait beaucoup de bien (il n'y a qu'à voir ces articles élogieux dans Les Inrocks ou dans Libé, chose étonnante), parce que DiCaprio est un des meilleurs acteurs de sa génération, parce qu'on nous promettait un Eastwood qui sort de l'ordinaire, allant même jusqu'à provoquer aux Etats-Unis une polémique sur l'homosexualité présumée du personnage. Pour qui ne connait pas, avant le film, l'histoire de J. Edgar Hoover, le fait que l'homme soit homosexuel n'est pas une grande révélation, quand bien même c'est cette présumée histoire d'amour qui offre les meilleurs passages du film. Eastwood se propose de revisiter l'histoire du XXème siècle, aux Etats-Unis, au travers du prisme de la création et de l'évolution du FBI, ainsi que de son dirigeant et fondateur. La création du FBI (1924), la crise de 29, la chasse aux bolchéviques, la "guerre contre le crime" des années 30, l'affaire du Ku Klux Klan, les affaires de contre-espionnage, tout y passe, tout est survolé. On est dans une "fresque historique", qui nécessite une certaine culture générale, sous peine de s'y perdre assez rapidement (ce qui fut mon cas, à certains moments). Eastwood ne s'embarasse pas d'explications sur les ressorts historiques de certains passages, si bien que certains faits évoqués restent un mystère total pour le spectateur.

On s'ennuie ferme devant ce thé­âtre de chambre vieillot et funèbre.

Télérama (contre)

On peut accrocher au film, et le trouver passionnant. On peut aussi le trouver extrêmement sombre, d'une froideur étrange quand on sait ce qu'Eastwood a pu filmer, et très bavard, ne laissant à la sensation aucun droit de cité. On suit, deux longues heures et quart durant, des discussions interminables qui se résolvent souvent par des arrestations, on est dans un milieu qu'on sent très fermé, rejetté d'abord par l'opinion publique, puis respecté à la suite d'évolutions, et surtout on est dans un milieu très riche, qui se regarde avec beaucoup d'autosatisfaction, un cadre très feutré légèrement dérangeant quand on met celui-ci en parallèle avec l'action de terrain. L'homme que l'on suit, on va rapidement le connaitre. Le scénario est simple, mais devient très vite fouilli, à force de flash-backs incessants et vite agaçants. J. Edgar Hoover est en fin de vie, on le sent, et décide de raconter ses mémoires à un jeune loup. Hoover est un homme froid, distant, difficilement atteignable, et pourtant affaibli et seul. Avec trop d'orgueil pour avoir ne serait-ce qu'un simple recul sur sa vie. Il embellit les faits qu'il raconte, et occulte sciemment une partie de sa vie (celle privée, qu'il ne souhaite dévoiler à personne). Lui qui a tenu des propos homophobes, lui qui s'est toujours montré intransigeant face aux "déviances", il aurait eu une liaison avec son bras droit de toujours, Clyde Tolson. C'est, de loin, la meilleure partie du film. Parce qu'elle est toute en suggestion, parce qu'elle est discrète. On sent sans peine la gêne occasionnée par ces sentiments partagés, et le cinéaste, sans nous frustrer, sait n'en montrer que peu.

Desservi par un scénario confus signé Dustin Lance Black ("Harvey Milk"), qui multiplie inutilement les allers-retours temporels, le film se tient trop à distance du personnage pour rendre pleinement sa dimension tragique, et ce malgré un DiCaprio habité par le rôle.

TéléCinéObs

On ressort du film très déçu. On nous parle des exploits maquillages sur le film, on s'en fiche un peu, la seule chose que l'on voit, c'est la défiguration de Armie Hammer, qui joue Clyde Tolson. Leonardo DiCaprio, dont la prestation semble clignoter en indiquant "où est mon Oscar, où est mon Oscar?", est certes très bon, mais son interprétation n'est pas exceptionnelle, on ne la retiendra pas à vie. Naomi Watts ne sait pas trop ce qu'elle fiche là, elle au personnage si peu consistant, seule marque affective dans le paysage social de Hoover (et elle aussi, en vieille, elle inquiète plus qu'elle ne parait crédible). Les dialogues abondent en tous sens, on lâche souvent l'affaire, et on pique du nez. Le film est empesé, très long, trop sombre, académique (et c'est un euphémisme). Le moins bon Eastwood qu'il m'ait été donné de voir (malgré Au-delà, qui, bien que moyen, ne méritait pas selon moi ce déchainement critique). Il ne reste donc pas grand chose de J. Edgar, si ce n'est un maigre intérêt sur l'image d'un personnage public, souvent contradictoire. On attendait pourtant le scénariste de Harvey Milk au tournant (Dustin Lance Blake), mais Eastwood n'aura pas eu le talent de Van Sant pour montrer l'homosexualité d'un personnage public. On oubliera J. Edgar bien rapidement.

45%.